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Llibre Vermell

Llibre vermell

El Llibre Vermell de Montserrat (Libro Rojo de Montserrat), es un manuscrito medieval conservado en el Monasterio de Montserrat (Barcelona), que constituye uno de los pilares de la música medieval española.

Fue copiado en los últimos años del siglo XIV, y debe su nombre a su encuadernación en terciopelo rojo, hecha a finales del siglo XIX.

Contiene una colección de cantos medievales, y otro contenido de tipo litúrgico, que data de finales de la Edad Media.

El propósito con que fue redactado el Llibre Vermell, lo explica con detalle una nota redactada en latín (fol. 22r), en la que se advierte a los peregrinos que debían evitar “las canciones vanas y los bailes poco honestos durante su viaje y estancia en Montserrat”.

Cantar y bailar en la iglesia, era una costumbre medieval bien arraigada, frente a cuyos abusos reaccionaron múltiples sínodos y concilios.

Los cantos son en catalán, occitano y latín y son todos de autor desconocido. A pesar de que la colección fue copiada a finales del siglo XIV, la mayor parte de la música se cree que es anterior.

Por ejemplo, el motete “Inperayritz de la ciutat joyosa”, posee un texto distinto para cada una de las dos voces, estilo que ya no se utilizaba cuando el manuscrito fue copiado.

Inicialmente contenía 172 folios escritos por las dos caras, de los cuáles 35 se han perdido. De los 137 restantes, sólo siete contienen música, los comprendidos entre el 21v y el 26v.

Por tanto, sus páginas musicales no pasan de doce.

Las piezas de la colección son diez:

- O virgo splendens (fol. 21v-22)
- Stella splendens (fol. 22r)
- Laudemus Virginem (fol. 23)
- Mariam, matrem Virginem (fol. 25r)
- Polorum Regina, omnium nostra (fol. 24v)
- Cuncti simus concanentes (fol. 24)
- Splendens ceptigera (fol. 23)
- Los set gotxs recomptarem (fol. 23v)
- Inperayritz de la ciutat joyosa / Verges ses par misericordiosa (fol. 25v)
- Ad mortem festinamus (fol. 26v)

Mujeres en el Barroco

Mujeres en el renacimiento

Mujeres en el renacimiento

Francesca Caccini:

A principios de su carrera actuaba con sus padres, hermano y hermana con el nombre de Concerto Caccini, pero más adelante formó grupo con su hermana Settimia y el ejecutante romano Vittoria Archilei. En esta época recibió en ocasiones el nombre de la Cecchina.

Durante este tiempo empezó a desarrollar su habilidad como compositora. Conjuntamente con el libretista Michelangelo Buonaroti (sobrino del artista) escribió música para muchos intermedios en la Corte de los Médicis y también empezó a escribir las recién estrenadas óperas. Antes de 1618 era uno de los empleados mejor pagados de la corte y cobraba más que su padre.

En 1625, obtuvo uno de sus mayores éxitos con la ópera La liberazione di Ruggiero dall'isola d'Alcina, compuesta para la visita del príncipe Ladislaus Sigismondo, ópera que fue interpretada asimismo en Varsovia en 1628, siendo esta la primera ópera italiana representada fuera de sus fronteras.

Danzas del renacimiento

DANZAS DEL RENACIMIENTO

Alemanda:
Danza de origen alemán cuyas primeras manifestaciones conocidas datan de la mitad del siglo XVI. Tiene un ritmo moderando y fluido con una breve anacrusa, en compás de4/4 y estructura o forma binaria, es decir, en dos partes (A-B). La seguía una danza más viva en 3/4 o tres tiempos. Tras un breve preludio, la allemande, iniciaba la suite barroca, que sedesarrolló en la segunda mitad del s. XVII y primera del siglo XVIII. La allemande, convertida en forma instrumental en la suite, precedía a una courante, que desarrollaba los temas de la allemande.

Baja Danza:
A menudo se trataba de una combinación de los compases 6/4 y 3/2, permitiendo el uso de hemiolia. Cuando se bailaba, las parejas se mueven tranquilamente y con gracia en un lento movimiento de deslizamiento o caminar, alzando y bajando sus cuerpos, de dichos movimientos viene el nombre de esta danza. 

Branle:

La única referencia existente sobre los pasos del branle francés es la Orchesography de Thoinot Arbeau, y alguna breve mención al tema por parte de Antonius de Arena. Arbeau explica claramente que el Branle era una danza practicada por la plebe.

De acuerdo con Arbeau, todos los bailes comenzaban con los mismos cuatro branles:

• El branle doble, que tenía una forma simple que incluía dos frases de dos compases cada una.Esta forma no era tan diferente de la pavana como para atraer el interés de los compositores, por lo que piezas con este nombre son muy raras en los libros instrumentales de la época, salvo que hubieran sido creadas especialmente para danzar.

• El branle simple, que consiste en una frase de dos compases, seguida de una frase de un compás.
• El branle alegre, estructurado por dos frases de dos compases cada una, pero en tiempo ternario (3/4), y fue más ampliamente utilizado.
• El branle de Borgoña, de igual estructura que el doble, pero interpretado más livianamente. Las fuentes musicales a menudo muestran una estructura irregular, para esta familia de danzas.

Canario:

 Baile renacentista italiano, variante del original francés, en compás compuesto.

Coranto:
Danza de origen francés que se bailaba desde el s. XVI en Europa. Durante el s. XVIII se incorpora en la suite detrás de la allemande. Lacourante italiana (corrente) era de ritmo muy rápido en tres tiempos y la forma de desarrollo era binaria (A-B). Vivaldi y Corelli utilizan esta forma en alguna de sus sonatas para violín. La courantefrancesa, más elegante y un poco más lenta, también era de ritmo ternario. Se caracterizaba por ser más contrapuntística e imitatiba que la italiana, donde se tendía más al desarrollo melódico. Lullyrecurrió poco a este tipo de danza en su óperas, pero Cuperin, en las composiciones para clave, y Rameau, en las obras escénicas, la usaron con frecuencia.

Gallarda:

La gagliarda o gallarda, es una antigua danza francesa de gran popularidad en toda Europa en el Renacimiento. Su nombre designaba el carácter de la misma. Acompañaba como segunda danza a la Pavana y se bailaba en grupo.

Tourdion:

Esta danza era con frecuencia acompañado por la basse danse debido a sus tempos contrastantes y se bailaba junto con el par pavana-gallarda y el par allemande-courante, también en parejas.En ritmo ternario, el tourdion ha sido descrito como "más rápido y suave" en comparación con la gallarda.

Pavana:

La pavana o padovana, es una danza de origen francés, muy popular en el Renacimiento en la corte de Luis XIV. En el libro dedanzas de Petrucci encontramos el enlace: Pavana- Saltarello y Piva, integrará las suites de danzas previas a las francesas.
Es un ceremonioso baile de corte. Etimológicamente viene de Padua (Padova) o del latín   pavo. Es una danza fúnebre que cuando moría una joven bailaban sus amigas para despedirla, por ello es recuperada con esas características por los impresionistas como Fauré  o la conocida Pavana para una infanta difunta de Ravel.

Zarabanda:
Danza española de ritmoternario, de los s. XVI y XVII, que se bailaba en parejas. Desde la segunda mitad del s. XVII se incluyó en la suite instrumental barroca.

Nacimiento de la polifonía

  La polifonía 

 La primera forma de polifonia fué el redoble de la voz monodica (voz principal) con una segunda voz llamada voz organalis que tenia un movimiento paralelo y fijo a distancia de cuarta o de quinta. Este redoble se llamó Organum paralelo. Una forma sucesiva fue el discanto (1100 d.C.). En el discanto, la voz organalis (discantus) era mas alta que la voz principal (tenor), no tenia un movimento fijo y era libre de hacer movimientos paralelos o contrarios: estaba a distancia consonante de cuarta, quinta, octava y unisono. Otra forma de este periodo era el Organum melismático: la melodía era cantada con valores de duración mas grandes para la voz principal, mientras la voz organalis hacia algunos melismas (florescencias). Otra forma fué la melodía con bordón: se usaba una única nota baja que duraba toda la composición, mientras las otras voces hacían la melodía. En Inglaterra la voz organalis podía ser también paralela a distancia de terza y sesta en composiciones a dos voces (gymel) y tres voces (falso bordon). Fue usada después en toda Europa y fue la base de la música occidental.

Motete

El uso medieval del término motete corresponde a una composición vocal a varias voces, definida no tanto por su función sino por su forma particular: estaba basada sobre una melodía litúrgica "dada" (es decir, no original, no compuesta especialmente) llamada 'ténor' (acentuada en la 'e'), la cual podía ser cantada o tal vez tocada con algún instrumento, ya que incluso en algún caso esto se indica claramente (como en el 'In seculum viellatoris' del Codex Bamberg, por ejemplo). En ocasiones, incluso en obras de uso religioso, la melodía dada era de origen profano. En ese sentido el motete sucedió al conductus, incluso en su vertiente más reivindicativa.

El motete pasa a convertirse en el género musical más importante del siglo XIII; a partir de 1250, sólo queda esta forma (prácticamente se dejan de componer conductus y organum). Su origen se encuentra en un tipo de 'tropo vertical', sobre los Tenores o las partes de organum o discantus. Se les añade un texto nuevo (y diferente, incluso en distinto idioma), y se les llama Duplum y Motetus (y si hay más voces, Triplum, Quadruplum, etc.), como se verá más adelante.

Discantus:

Un discanto es una técnica de polifonía medieval en la que un cantante canta el canto llano mientras otro entona una voz suplementaria, bien improvisada o compuesta previamente. La palabra en este sentido viene del término discantus supra librum (discanto "según el libro"), y es una forma de canto gregoriano en la que sólo la melodía está anotada, mientras que se asume que irá acompañada de una polifonía improvisada. El discantus supra librum tiene reglas específicas que rigen la improvisación de las voces adicionales. En la música medieval el término discanto sirve para diferenciar el contrapunto que emplea el movimiento contrario para distinguirlo del organum paralelo o diafonía, en el cual el canto llano y el contrapunto se mueven en paralelo.

Los Goliardios

Los Goliardos

 Se trata de un movimiento poético que florece en Alemania, España, Francia e Inglaterra y emerge del ambiente literario más culto, elevando cantos al vino, al amor, a los placeres corrientes o simplemente a la vida alegre. Los autores de esto cantos, por lo general anónimos, son altos dignatarios de la Iglesia, clérigos y estudiantes atiborrados de retórica latina y lecturas de clásicos, que ponen toda su preparación literaria y su agudo ingenio al servicio de una creación poética que satiriza su entorno, parodia la majestad de los himnos eclesiásticos, canta alegremente al vino o al amor y da rienda suelta a la malicia estudiantil. Difícilmente puede verse en este feliz descenso de la poesía docta, desde las alturas del templo o la severa cátedra, hasta la taberna o el lupanar, la pretensión de divertir al pueblo, pues como advierte el medievalista español Martín de Riquer: “No [es] para divertir al pueblo, que difícilmente podría entender su engolado latín y su chiste intelectual, sino para cantar en regocijado grupo de gente cultivada".

Los poetas que nutren este movimiento son llamados goliardos (goliardi) yclérigos vagantes (clerici vagantes). Los segundos son, por lo general, o bien estudiantes en constante movimiento de una escuela a otra, pues es el momento en que las grandes universidades europeas se están organizando, y que se ganan el sustento diario ejerciendo actividades más o menos relacionadas con los juglares; o bien, clérigos sin beneficio o monjes que han abandonado el claustro de las órdenes religiosas y se han entregado a una vida irregular y errabunda. En cuanto a los goliardos, no resulta fácil determinar el origen de dicha denominación. Para algunos, el término alude al gigante Goliat a quien se relacionaba con el demonio; otros sostienen que la palabra deriva de gula, dada la glotonería y la afición por el vino que demuestran muchos de estos poetas; hay quienes afirman que se trata de una referencia al “obispo Golias”, un santo patrón posiblemente mítico, al que muchos goliardos hacen referencia; lo único que puede afirmarse en este sentido, es que estos poetas se daban a sí mismos el nombre de goliardos afirmando en tono burlón que pertenecían a la “orden goliárdica”, afirmación que no debe tomarse en serio. Sin embargo, estas clasificaciones no describen a todos los autores de este movimiento. 

En los muchos cancioneros en los que se ha conservado la poesía goliárdica se encuentran la colección denominada Carmina Cantabrigensia, y el conocido cancionero denominado Carmina Burana, que reúne poemas escritos en Alemania, Francia e Inglaterra; también vale la pena citar la colección de poemas escritos en las proximidades del monasterio de Ripoll (Cataluña) en el siglo XIII, conocido como Carmina Rivipullensia, entre otros.

Carmina Burana 

El original Cármina burana es una colección de cantos de los siglos XII y XIII, que se han conservado en un único códice encontrado en 1803 por Johann Christoph von Aretin en la abadía de Bura Sancti Benedicti (Benediktbeuern), en Baviera; en el transcurso de la secularización llegaron a la Biblioteca Estatal de Baviera en Múnich, donde se conservan.

El códice recoge un total de 300 rimas, escritas en su mayoría en latín (aunque no con metro clásico), algunas partes en un dialecto del alto alemán medio, y del francés antiguo.

Fueron escritos hacia el año 1230, posiblemente en la abadía benedictina de Seckau o en el convento de Neustift, ambos en Austria.